[…] Für das Kunsthaus Bregenz – als Ikone zeitgenössischer Architektur ein Idealfall der Stilisierung und Entfremdung – entwickeln Nicole Six und Paul Petritsch ein Werk, in dem es um das Erleben von Architektur in einer eins zu eins Situation geht. Für den Betrachter wird dies mit Echtzeitkonsequenz medial nachvollziehbar gemacht. Grundüberlegung ist, im Kunsthaus nicht etwas auszustellen, sondern dem als funktionierenden Organismus gesehenen Gebäude etwas ebenfalls Körperliches und in letzter Konsequenz tatsächlich den eigenen Körper gegenüberzustellen. Paul Petritsch nimmt sich sechs Tage lang Zeit und erlebt das dritte Obergeschoss des Kunsthauses in seiner puren, kunstentleerten Form zwischen zwei Ausstellungen. Sechs im Raum positionierte Kameras nehmen die Situation, in der Paul Petritsch mit sich selbst beschäftigt ist, aus verschiedenen Blickwinkeln auf. Dabei gibt es tote Winkel und Überschneidungen, die den Künstler manchmal gar nicht oder zweimal aufnehmen. Während Paul Petritsch als Protagonist im Ausstellungsraum verweilt und diesen lediglich zur Nahrungsaufnahme, Dusche oder zum WC-Besuch verlässt, verfolgt Nicole Six den sechstägigen Projektverlauf quasi am anderen Ende der Kamera via Monitor im Keller des Kunsthauses. Für den Ausstellungsbesucher werden die Kameras durch Projektoren ersetzt, die ihr Bild auf Projektionsflächen (die Medien der Repräsentation) werfen. Damit wird die aufgezeichnete Situation in nachträglicher, simulierter Echtzeit wiederholt. Wie Petritsch selbst, trifft nun der Betrachter die Entscheidung über den Standpunkt und die Verweildauer im Raum. Manchmal ist auf den Durchlichtprojektionen etwas zu sehen, manchmal nicht. In einer Architektur, die wie beim KUB den Blick nach außen verweigert, wird ihr Innenleben (Kunst oder Mensch) automatisch zum Zentrum. Die filmische und modellhafte Wiedergabe des Raumes, in dem man sich befindet, bringt dies zu Bewusstsein. Der Betrachter sieht und erlebt sich im Spiegel.



Vergleichbar ist das Projekt mit den Arbeiten Raum und Longitude/Latitude von Six/Petritsch. Im Video Raum, wo sich die Gesetzmäßigkeit der Erdanziehung aufhob, war die Erfahrung von Raum und Bewegung zeitlich gestrafft und die mit dem Körper verknüpfte Raumwahrnehmung intensiviert. Auf dem Schiff gab es die Momente des Verharrens und der gestreckten Bewegung, durch die die beiden Künstler sechs Tage auf dem Meer unterwegs waren. Erstaunlich ist, dass Paul Petritsch die Erfahrung des Meeres vom Erlebnis der Weite mit dem lediglich 450m2 großen KUB-Raum vergleicht. Entgegen der Befürchtung einer Erfahrung von Enge, öffnete sich für den Künstler der Ausstellungsraum: „Man hat nichts zu tun und schaut in eine unglaubliche Weite.“ Hier greift die Perspektive, die der Betrachter mitbringt. Je nach individueller Einschätzung begreift er den fensterlosen Raum als Zelle oder Refugium, und die darin verbrachte Zeit als Horror oder Luxus. Als Nacherzählung führt das Werk modellhaft zurück zum eigenen Blickwinkel, in dem sich das bewusste Einatmen von Architektur als Wahnsinn oder als ein „zu sich selbst kommen“ offenbart. Sicherlich ist dieser Ansatz minimalistisch. Doch er ist zugleich existentiell, da das Zurückgeworfensein auf die eigene Körperlichkeit Sinnfragen evoziert. Die Anordnung und schlichte Inszenierung der Leinwände im Ausstellungsraum folgt dem ursprünglichen Filmset, der nach den objektiven Kriterien des Überblicks angelegt war. Die 216 DVDs, auf denen das Geschehen aufgenommen wurde, sind die archivarische Seite des Werks. Durch diese Speichermedien und das Set von Kameras und Projektionen wird das Projekt nachvollziehbar und reproduzierbar. Das Medium an sich liefert keine ergiebigen Vermessungsdaten, es ist kein Selbstzweck. Der zündende Funke liegt in der Überschneidung der Präsenz und der Bewegung des Künstlers mit der der Ausstellungsbesucher. Durch den Menschen im Raum wird es eine vage Raumsituation, in der sich An- und Abwesenheit die Waage halten. Durch das im Lichtkegel wachgerufene Erleben, das sich maßstäblich an der Wirklichkeit orientiert, wird die Realität zur Bühne, auf der ein Ein-Mann-Stück das Erleben von Architektur doppelt: Petritsch ist weder Requisite, Möbelstück noch Kunstwerk, er ist anwesend. Der Film ist weder Remake noch simuliertes Erleben, sondern schlicht die Aufzeichnung des Geschehens. Doch ähnlich wie für Nicole Six, die via Monitor die Aufnahme verfolgt, bleibt der Betrachter vom ursprünglichen Erleben medial getrennt. Hier zeigt sich die traurige Existenz der Repräsentation, die menschliches Sein nur vorgaukeln kann. Auf den Screens – den Resonanzkörpern unserer Vorstellung – entfremdet und schwindet der Körper. Während der White Cube als Denkmodell letztlich auch den Betrachter als Gefährdung ausklammert und die Architekturtheorie menschliche Präsenz (sprich Emotionalität) wie die Pest meidet, bietet die Arbeit von Six/Petritsch ein Alternativmodell von Raumerfassung. Die Basis dafür ist die tatsächliche Erfahrung, unabhängig davon ob diese in weiterer Folge medial gekoppelt oder imaginiert ist. Ihre schlichte Dringlichkeit, ihr Lebensumstand erreicht den Betrachter. Und andererseits nimmst du dir einfach sechs Tage am Stück Zeit.

>Es ist ein faszinierendes mathematisches Paradoxon, dass das Volumen eines realen Objektes begrenzt ist, sich die Berechnung seiner Oberfläche jedoch im Unendlichen verlieren kann – je kleiner der Maßstab, desto mehr Ausbuchtungen und Spalten in der Materie entfalten sich und umso größer wird die Oberfläche. Nicole Six und Paul Petritsch sind diesem Phänomen auf der Spur, wenn sie das Atelier, das ihnen als Stipendiaten in New York für ein halbes Jahr zur Verfügung stand, vermessen. Statt der gewohnten Quadratmeter wählen sie die DinA4-Seite als grundlegendes Maß für den Raum, der – so das konkrete Ergebnis – 2478 solcher Einheiten umfasst. Stück für Stück fotografiert und im Verhältnis 1:1 abgebildet wird daraus ein Buch mit ebenso vielen Seiten: ein Objekt in dem der Raum implodiert.



Six/Petritsch antworten auf die Herausforderungen der neuen Stadt mit einer Standortbestimmung. Mit einer einfachen Bauaufnahme ihrer unmittelbaren Umgebung und in der Transformation des Raumes zum Buch erzeugen sie ein wechselseitiges Spannungsverhältnis zwischen dem körperlichen Gegenüber und der distanzierteren Abbildung, dem umfassenden Über- und Nebeneinander und dem linearen Nacheinander, dem Ganzen und dem Detail. Seite um Seite weiße Wand. In der Wiederholung des scheinbar immer Gleichen beginnt der Raum sich zu zersetzen. Dieser Abstraktionsprozess, die Auflösung des Gegenständlichen fordert den detektivischen Blick heraus. Das Auge sucht sich seine Ankerpunkte in den minimalen Unebenheiten und Unregelmäßigkeiten im Putz. In der Weite der Fläche werden Steckdosen, Mauervorsprünge, Wasserrohre und Leitungen zum Ereignis. Das Atelier, im Vorgriff auf spätere Präsentationen der Kunst, die hier erst entstehen soll, als White Cube gestaltet, verliert an diesen Punkten seine Neutralität – aus dem Raum wird dieser Raum.



Mit der Aufzeichnung des Vorhandenen schreiben Six und Petritsch dem Raum zugleich das Raster der Din A4-Seite und die Logik des Buches ein. Die DinA4-Seite, eine Standardisierung der Papierindustrie, ist das gängige Vervielfältigungsmaß des Copy­shops und entspricht somit den realen Produktionsmöglichkeiten der beiden für ein Künstler­buch. Aus ihren Gegebenheiten entwickeln sie das Muster für ihren minimalen aber systematischen Eingriff in den Raum. Die Zeichnung an den Wänden, am Fußboden und an der Decke besteht aus einfachen typografischen Setzungen: Passmarken und Seitenzahlen. Den Passmarken kommt dabei eine besondere Rolle zu. Für gewöhnlich bestimmen sie das Format, den Körper eines Buches. Während es ihre eigentliche Bestimmung ist, als grafisches Hilfsmittel im Schnitt aufzugehen und einzig in dieser Form, als Linie im Raum, weiterzuleben, erfahren sie in der Verschränkung der Kontexte Buch und Atelierraum eine Vervielfachung ihrer Bedeutung. Sie sind es, die das neue Koordinatensystem sichtbar machen. Jedes einzelne kleine Kreuz markiert für sich genommen einen Ort, bedeutet „hier“ und „Anwesenheit des/der Zeichnenden“. Mit ähnlicher Konsequenz folgt die Nummerierung der einzelnen Felder auf der Wand nicht der gewohnten Leserichtung, sondern beginnt unten rechts, vor den Füßen.



Ein Buch ist ein Raum ist ein Buch. Six und Petritsch setzen wiederholt zusammen, was sie zuvor zerlegt haben. Doch trotz der Abbildungen im Maßstab 1:1 entsteht keine tatsächliche Kongruenz der Flächen. Die Ursachen dafür sind weniger in der langwierigen, ermüdenden Umsetzung der akribischen Raumvermessung und den daraus resultierenden Fehlern zu suchen, sie liegen vielmehr in der Realisierung selbst. Zu den Überschneidungen und Verdoppelungen an den Rändern, kommen kameratechnisch bedingte Verschiebungen im Raster. Aufgrund des zentralperspektivisch ausgerichteten Fokus der Kamera erscheinen Vorsprünge in der Wand verzerrt und innerhalb der Rechteckstruktur weiter innen. Am deutlichsten zeigt sich dies erneut an den Passmarken. Manchmal nämlich verschwinden sie nicht im Schnitt, sondern springen an den Rändern des Buchs ins Bild und markieren so die poetische Differenz zwischen dem Konzept der Gleichsetzung und der im Widerstand des Materials begründeten Unmöglichkeit einer Deckungsgleichheit. Ein Buch ist kein Raum ist kein Buch.

Die Arbeiten von Nicole Six & Paul Petritsch sind immer eng verknüpft mit der Frage nach der Rolle des Künstlersubjekts und nach dem Status des künstle-rischen Werkes selbst bzw. seiner Disposition im künstlerischen Feld. Der jeweilige situative Kontext, in dem sie sich als Personen wieder finden und der von ihnen verlangt, sich in ihm als handelnde künstlerische Subjekte (auch strategisch) zu bewegen, ist ausschlaggebend für die Entwicklung ihrer prozessorientierten Arbeiten. Diese zeichnen sich durch eine kritische Selbstbefragung aus, innerhalb derer sich die Künstler u.a. mit spezifischen Rollenzuweisungen und mit den damit einhergehenden Erwartungshaltungen an einen „Werkkorpus“ auseinandersetzen. Dieser reflexive Zugang zum eigenen Da-Sein und Tun gelangt auch in der dreiteiligen Arbeit in Graz zu einer erneuten Durcharbeitung: Fragen nach der eigenen Subjektkonstitution sind in dieser Arbeit methodisch verbunden mit, im wahrsten Wortsinn, „Verortungen“ im Raum. Die angesprochene Arbeit ist im Zuge eines sechsmonatigen Aufenthaltes in New York entstanden. […] Six und Petritsch antworten auf die Herausforderungen der neuen Stadt mit einer Standortbestimmung. Mit einer einfachen Bauaufnahme ihrer unmittelbaren Umgebung und in der Transformation des Raumes zum Buch erzeugen sie ein wechselseitiges Spannungsverhältnis zwischen dem körperlichen Gegenüber und der distanzierteren Abbildung, dem umfassenden Über- und Nebeneinander und dem linearen Nacheinander, dem Ganzen und dem Detail. Seite um Seite weiße Wand. In der Wiederholung des scheinbar immer Gleichen beginnt der Raum sich zu zersetzen. Dieser Abstraktionsprozess, die Auflösung des Gegenständlichen fordert den detektivischen Blick heraus. Das Auge sucht sich seine Ankerpunkte in den minimalen Unebenheiten und Unregelmäßigkeiten im Putz und in der Weite der Fläche werden Steckdosen, Mauervorsprünge, Wasserrohre und Leitungen zum Ereignis. Das Atelier, das im Vorgriff auf eine spätere Präsentation der Kunst, die hier erst entstehen soll, als White Cube gestaltet wurde, verliert an diesen Punkten seine Neutralität – aus dem Raum wird „dieser Raum“ (Annette Südbeck). Dass es Six & Petritsch nicht nur darum ging, den Raum selbst in einem vermeintlich objektivierenden Verfahren – im fotografischen Dokument – festzuhalten, sondern auch physisch zu durchmessen, zeigt nicht nur die Realisierung des Raumbuches selbst, in der es – kameratechnisch bedingt – u.a. zu Verschiebungen und Verdoppelungen an den Rändern kommt, sondern wird auch in den das Raumbuch begleitenden Dokumenten sichtbar: So entstand im Zuge dieser akribischen Arbeit einerseits ein Videoband, „I‘m too tired to tell you“, das nichts als Erschöpfung dokumentiert (und der Vorstellung des schöpferischen, produktiven Künstlers ebenso widerspricht wie es umgekehrt Klischeebilder des Künstlers als Müßiggängers bedient). Darüber hinaus gibt es fotografische Dokumentationen performativer Akte, bei denen sich der Körper des Künstlers mithilfe einer handelsüblichen Baulatte (in den USA „Two by Four“ benannt, die titelgebend für diesen Teil der Arbeit war) gleichermaßen dem Raum „einpasste“. Six & Petritsch orientieren sich in ihrem methodischen Vorgehen mitunter an den formalästhetischen Strategien der mittlerweile historischen KonzeptkünstlerInnen. In einigen ihrer Arbeiten werden so verschiedene exponierte Werke der Konzeptkunst direkt zitiert: Die Videoarbeit „I‘m too tired to tell you“ nimmt dabei Bezug auf die Videoarbeit von Bas Jan Ader „I‘m too sad to tell you“, „Two by Four“ erinnert in diesem Verweisungszusammenhang an die „Körperkonfigurationen“ Valie Export‘s. Weitere Anknüpfungspunkte lassen sich finden und nehmen Bezug z.B auf die in den 1960er/1970er Jahren ebenfalls im Kontext der Konzeptkunst aufkeimende „Mail art“. Auch das akribische Dokumentieren von spezifischen, teilweise vorab festgelegten Zeit- und Handlungsabläufen über einen größeren Zeitraum ist eine im Rahmen der Konzeptkunst gängige Praxis, an die Six & Petritsch anknüpfen. Das Aufgreifen und Weiterführen konzeptueller Strategien, die die Künstler z.T. verbinden mit performativen Akten, und die – so Thomas Trummer – zum Teil einhergehen mit bewusst herbeigeführten „Zuständen der Gefährdung“, dient ihnen auch als eine Form der Selbstbefragung- und Selbstvergewisserung als bildende KünstlerInnen.



Aus: „First the artist defines meaning“, Kuratoren/Text: Reinhard Braun und Maren Lübbke-Tidow, Gruppenausstellung, Camera Austria, Kunsthaus Graz 2006;

Paul Petritsch und Nicole Six dokumentieren in „Longitude/Latitude“ eine Atlantiküberfahrt auf einem Frachter. Von Le Havre, also vom Nullmeridian, aus verzeichnen sie in Fotografien und karto-grafischen Vermerken die ereignislose Reise über den Ozean. Pünktlich alle zwölf Stunden wird eine Flaschenpost ins Meer geworfen. Sie enthält ein Formular, ein Briefkuvert und eine Ein-Dollarnote. Drei der Flaschen werden tatsächlich gefunden und an die beiden Absender zurück geschickt. Sie geben Ort und Datum der Fundstelle an, Destination des Finders und eine private Mitteilung. Maßstabloser Raum und entwirklichte Zeit gefährden persönliche Fundamente und verursachen das Bedürfnis nach Halt in festen Koordinaten. Six/Petritsch setzen mit den Nachrichten Botschaften aus, aber auch sich selbst einer existenziellen Besinnung.

Der Raum geht nach innen.

Wo derzeit aller Orten der Wandel des Öffentlichen im Urbanen Thema ist, widmet sich diese Analyse den nächsten vier Wänden als Basiseinheit der Aneignung von Raum. Weder historisch noch kulturell definiert stellt sich hier Raum als Realitätsebene der Auseinandersetzung – durch die Bewegung virtualisiert wird er nur in der individuellen Auseinandersetzung aktuell. Urbane Architektur, deren Oberfläche losgelöst von der tatsächlichen Nutzung als Projektionsfläche für verschiedene Imaginationen und Inszenierungen dient, wird zum bloßen Material. Dieser Raum ist reale Bühne. Zwischen Schwerelosigkeit und Gravitation. Als Schauplatz der Selbstinszenierung gehen hier die beiden Positionen, das Selbst und der umgebende Raum, ineinander über: Körperliche und räumliche Codes schreiben sich unaufhörlich ineinander ein. Die Person „begreift“ den Raum, scheinbar ohne Wirkung der Schwerkraft, in jeder Dimension – Boden, Decke, Wand. Die Relativitätstheorie dieses beschleunigten Raumes verlagert jede Ortsbestimmung.

Eine Person schlägt ein Loch ins Eis

und zieht sich damit sprichwörtlich selbst den Boden unter den Füßen weg.




Die langwierige und mühselige Bearbeitung der dicken Eisdecke ist in voller Länge auf Video festgehalten; im Gegensatz zur Adrenalinspritze „Stunt“ oder, um in der Kunst zu bleiben, zum Aktionismus, wo die Handlung auf einen spektakulären Höhepunkt zugespitzt ist, ist hier eine völlig unspektakuläre Tätigkeit geradezu beiläufig festgehalten.



Die Grundidee für die „serie von versuchen den raum zu öffnen“ stammt aus einem Interesse das Verhältnis von Raum und Körper auf konkrete Art und Weise festzuschreiben. Die Frage ist: Was passiert, wenn man grundlegend in eine räumliche Struktur eingreift? Mit ihren Interventionen setzen Six und Petritsch diese Fragestellung 1:1 um. Möglicherweise ein lakonischer Verweis, eine ironische Hinterfragung ihrer täglichen Arbeit, unseres alltäglichen tuns …



Es geht aber auch um die Frage von Materialität (vs. Immaterialität), die sich in der Tätigkeit der Bearbeitung des Materials manifestiert: Die spiegelnde Oberfläche des Eises bekommt erst durch die Bearbeitung, durch die Zerstörung dieser Oberfläche etwas Materielles. Der räumliche Eingriff hinterlässt lediglich flüchtige, temporäre Spuren; höchstens einzelne Referenzen bleiben übrig: Das Eis wächst wieder zu bzw. schmilzt.



Wie wird diese – scheinbar sinnlose, wenn nicht absurde – Handlung wahrgenommen? Sie kommt ja ohne jegliche heroische Geste aus, scheint vielmehr ein – augenzwinkernder – Grenzgang zu sein. Hat die Situation in ihrer existentiellen, geradezu radikalen Lösung etwas Tragisches? Ist sie beängstigend? Komisch? Oder einfach langweilig? Findet hier eine „Mikrorevolution“ statt?